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La Verrière - Fondation d’entreprise Hermès, Brussels, 2019






Lois Weinberger, Untitled (holding earth), 2010
Photographic work, pigment print on Archival Matte Paper Framed, 60 x 90 cm
Photo : © Paris Tsitsos. Courtesy Salle Principale, Paris

With : Igshaan Adams, Raymonde Arcier, Camille Blatrix, Jean-Baptiste Calistru, Gilles Clément, Odonchimeg Davaadorj, Shoshanah Dubiner, La Fabric’Art Thérapie, Jos de Gruyter and Harald Thys, Anna Halprin, Karen Kamenetzky, Corita Kent, Maria Laet, Jean-Luc Moulène, Musée du Compagnonnage de la ville de Tours, Mamadou Michel N’Diaye, Meret Oppenheim, Gina Pane, Violeta Parra, Artavazd Pelechian, Aline Ribière, Lois Weinberger

After Des gestes de la pensée (‘Gestures, and thought’, 2013-2016) and Poésie balistique (‘Ballistic Poetry’, 2016- 2019), our new season at La Verrière marks a conscious return to the material in art, but invested with spiritual, symbolic, social, therapeutic and magical preoccupations, as a critical alternative to the prevailing contemporary economy of de-materialisation. As a young generation of artists re-appropriates artisanal techniques (ceramics, wood-carving, marquetry, tapestry), with a particular focus on raw (and sometimes industrial) materials, our opening exhibition traces unprecedented ‘family trees’ connecting the creative ‘practice’ of yesterday and today, in art and other spheres. The contemporary creative artists featured are not motivated by nostalgia or conservatism, but by a timely, collective awareness of the urgent need to rethink our habits as makers and consumers, through a celebration of conscious care and attention. To that end, this exhibition will offer a cross-disciplinary perspective on ecological concerns, through new relationships between art and the living world, objects and the elements. By presenting what are generally perceived as ‘minority’ or marginal actions and gestures, nested within our so-called ‘advanced’ society, we aim to spotlight the alternative dynamics and motivations that are shaping new forms and ideas, and subverting the established categories of contemporary art. The season’s title is borrowed from the thinker Bruno Latour (1), in a deliberate, significant mis-translation. Disrupting the conventional hierarchy of power and vulnerability, the French phrase matière à panser suggests ‘matter in need of remedy’ but also ‘material remedies’ : ritual, protective, votive, healing objects, for artists and non-artists alike. As such, these practices invoke alternative spheres of knowledge, alternative ways of thinking, which we have forgotten or no longer recognise. In their diversity of intent, these intelligent, emancipatory materials – transformative rather than transformed – trace sensitive, poetic affinities that transcend their differences.

Matters of Concern / Matières à panser, exhibition view, La Verrière, Brussels, 2019
© Isabelle Arthuis / Fondation d’entreprise Hermès

An imprecise harmony

The idea for this themed season of exhibitions is the product of a long gestation, drawing on diverse theoretical and sensory sources. First, as a mark of continuity with the preceding two series, it proceeds (as they did) from a determination to reconcile or move beyond the contradictions of contemporary art. Here, the aim is to assert the contiguous nature of practices that have often been, if not opposed, then at least kept apart : art versus artisanship, cultural practice versus cult or religious practice, function versus decoration, modernity versus tradition. My work as an exhibition curator, and as programme director at La Verrière in particular, is conceived as a response to the constant need to disrupt and re-order the categories and hierarchies of contemporary art : a curatorial practice of aesthetic ‘disorder’ that sets out deliberately to blur artistic genres, from one exhibition to the next.
Beyond this fundamental stance, the idea for the new season sprang from an ongoing reflection, over several years, on the need for a curatorial engagement with ecological issues. It goes without saying that ecology is a central concern in contemporary society, but its concrete expression in art is far less apparent. First, because harnessing a political imperative for the making of interesting forms is invariably a delicate matter : only with difficulty can we overcome the inadequacy, even the contradiction, of attempts to aestheticize topical issues. And second, for a painful, provocative reason that attacks the very foundations of the practice of art : why and how are we to produce new art forms (even those critical of all things unecological), when our current ecological crisis prompts us to advocate a general deceleration of productive activity ? A paradox indeed : is there any way to prevent even the most well-intentioned artwork from adding to the sum of ‘useless’ material clutter in this world ?

Matters of Concern / Matières à panser, exhibition view, La Verrière, Brussels, 2019
© Isabelle Arthuis / Fondation d’entreprise Hermès

Our response to this inherent, seemingly irresolvable contradiction is to approach ‘ecology’ from a different perspective, not as a subject for art, but as a thought regime. As an opportunity to take a fresh look at concrete experiences, rather than denounce the status quo. So that instead of illustrating the deadly drift of our progressive civilisation, and its inevitable demise, we can choose this moment to explore other ways of making, observing and thinking, in contemporary art and elsewhere. Perhaps (to borrow French president Jacques Chirac’s celebrated phase), it is precisely because ‘our house is on fire’ that we should be ‘looking in the other direction (2).’ Not to avoid these vital,
problematic issues, but to learn, or rather ‘un-learn’ from the margins. As the dire predictions of the recent past become fact today, Man’s relationship to Nature has become central to the most stimulating contemporary debates, those that challenge our modernist ideologies. In this, we do not seek a return to ‘worthier’, archaic models, but to update our thinking through the experience of alternative ways of relating to the material world : modelling our approach on the established modi of anthropology, ecology and ethology, through the prism of certain feminist scientific and ethical theories. In short, we take as our starting-point a reversal of rights and obligations in the realm of living things, a challenge to the dominance of the human race, a reconsideration of the non-human as object rather than subject, and generally, the recognition of a shifting system of relationships over a perceived (im)balance of power within ecosystems. This thinking is based on a concept of finitude and continuity : each production is envisaged as a co-production, and each act of appropriation as an exchange. We should also privilege alternative temporalities for our observations and research, generating alternative knowledge. Our current, unprecedented ecological ‘moment’ invites us to witness the unexpected coming-together of a number of issues : political, moral, judicial, scientific and social. A benign alignment of affects – a planetary alignment of sorts – that will inevitably permeate the sphere of art, however subtly, and the production and reception of artworks.

The season when dreams explode

‘Matters of concern’, matières à panser : a quest for other ways of making and doing, then, rather than a refusal to make or do. An attempt to re-enchant the world, rather than spectate its destruction as awe-struck, fascinated by-standers. An embrace of multiple perspectives, over the relentless race to the single (fateful) vanishing point of History. And an opportunity to refocus on neglected skills and expertise, ideals incarnate, the spiritual in the material. Even, simply, to observe the creative status quo from a new paradigmatic standpoint, discerning new intentions, new attentions, new moral and sensory ‘dispositions’ that counter the cynicism of blind, disembodied overproduction. New ? No, this integrated regard for the material world is ancient indeed, but it is not ‘primitive’ for all that. Rather, it is permanent, resilient, and distinct from a simple shift of perspective from the centre to the margins. We do not need to seek alternative practices on the other side of the world, nor far back in the origins of the history of forms ; they are here, nearby, and closely connected to the modern world. The fact is, we may have stopped seeing, but we have never stopped believing.

Matters of Concern / Matières à panser, exhibition view, La Verrière, Brussels, 2019
© Isabelle Arthuis / Fondation d’entreprise Hermès
Meret Oppenheim, Handschuhpaar, paire de gants en daim de chèvre, 1985, courtesy LEVY Galerie, Hamburg

Indeed (and this is another reason for our new series) these practices are directly connected with specific, ground-breaking movements in contemporary art, notably the revival of manual, artisanal skills, with a penchant for natural materials and traditional techniques, both in the ‘neo-craft’ movement and at the core of what has been called ‘post Internet’ art : new preoccupations that invoke spheres of knowledge hitherto neglected in the contemporary art world. As if the ethnographical tendency in art, observable since the late 1990s (3), had suddenly found new, material expression and form : a shift from discourse to gesture. And a concomitant shift in the role of artists : the critique of ‘progress’ enacted non-verbally through the artist’s gaze, and interaction with his or her raw materials. Making rather than talking. A form of concentration that favours conscious attention over research, intimacy over distance, and opens the way to an explosion of possibilities for the object in art. A reminder that specific materials have their own inherent substance and form, their own history, their own intelligence and emotionality.

Matters of Concern / Matières à panser, exhibition view, La Verrière, Brussels, 2019
© Isabelle Arthuis / Fondation d’entreprise Hermès
Karen Kamenetzky, Seed Dreaming I, soie, fils de coton, fils à broder, 78 x 86 cm, 2010
Karen Kamenetzky, Seed Dreaming V, soie, laine et écorce de mûrier, fil de coton, rembourrage de tapis, 80 x 73 cm, 2016
Karen Kamenetzky, Seed Dreaming VI, soie et écorce de mûrier, rembourrage de tapis, 96 x 72 cm, 2016

A wild garden

The season’s opening exhibition offers a wide-ranging approach to this constellation of affective rather than theoretical considerations, through a diverse selection of work. From Artavazd Pelechian’s lyrical film of Armenian shepherds gathering their sheep to bring them down the mountainside, to artist Gina Pane burying a ray of sunshine in the Normandy countryside ; and from the mysterious stained glass panel of Mamadou the Healer of Toubaix to the cathartic, therapeutic dance of American choreographer Anna Halprin. From medical items, decoratively repurposed by people living with AIDS, to Karen Kamenetzky’s cellular tapestries. From Raymonde Arcier’s giant feminist dolls, to Aline Ribière’s organic clothing, and vernacular effigies by Harald Thys and Jos de Gruyter. From mineral sculptures by Lois Weinberger to Maria Laet’s hieratic interventions in the natural scene. From Camille Blatrix’s strange artisano-industrial forms, to Jean-Luc Moulène’s hybrid sculptures and Igshaan Adams’s woven explorations of identity. Disparate practices which, each in their own way, pay close attention to the object and its raw materials, imbuing them with unique sensory, affective, symbolic or therapeutic power. Contrasting worlds, united by their shared focus on handiwork (including the invisible hand of nature) and/or figuration. The exhibition charts aesthetic routes that take the curator of contemporary art – forever steeped in the assertive rigour and minimalism of conceptual forms – to new shores, stepping lightly from artisanship to art, and amateur or militant practice, with no implication of hierarchy. Drawing on diverse aesthetic approaches, the exhibition stands as an ecosystem in its own right, or more humbly as a garden, in Gilles Clément’s definition, incorporating what some would describe as ‘weeds’ : disregarded objects, plants without name.
In the wake of a season focusing on the apparent, irreductible remoteness of certain highly programmatic artforms, this new season at La Verrière favours conductive materials, transactional objects and practicality. Works that celebrate artistic value and utilitarian forms, blurring the boundaries between function and fiction. Ultimately, the new season will strive to implement a ‘curatorial ecology’ through close, mindful attention to things and their interrelationships, whatever their origins or purpose : a speculative, dreamlike practice that seeks out new beauties, not in celebration of things alien to the reflexes of contemporary art, but simply by choosing to ignore, if only for a moment, the objects’ coordinates within a specific system of values.

Guillaume Désanges

1 “Why has critique run out of steam ? From matters of fact to matters of concern”, Bruno Latour, Critical Inquiry n°30, The University of Chicago, 2004
2 Notre maison brûle et nous regardons ailleurs : President Jacques Chirac at the 4th Earth Summit, South Africa, 2002.
3 Hal Foster, “The Artist as Ethnographer,” in The Return of the Real. Cambridge : The MIT Press, 1996.







Shoshanah Dubiner, Endosymbiosis : Homage to Lynn Margulis, 2012,
gouache sur papier Rising Stonehenge, 57,8 × 88,9 cm.
Courtesy of the artist. © Shoshanah Dubiner

Avec : Igshaan Adams, Raymonde Arcier, Camille Blatrix, Jean-Baptiste Calistru, Gilles Clément, Odonchimeg Davaadorj, Shoshanah Dubiner, La Fabric’Art Thérapie, Jos de Gruyter et Harald Thys, Anna Halprin, Karen Kamenetzky, Corita Kent, Maria Laet, Jean-Luc Moulène, Musée du Compagnonnage de la ville de Tours, Mamadou Michel N’Diaye, Meret Oppenheim, Gina Pane, Violeta Parra, Artavazd Pelechian, Aline Ribière, Lois Weinberger

Après « Des gestes de la pensée » (2013-2016) et « Poésie balistique » (2016-2019), ce nouveau cycle pour La Verrière propose un retour revendiqué à la matière, mais investie de préoccupations spirituelles, symboliques, sociales, thérapeutiques ou magiques comme une alternative critique aux modes dématérialisés de l’économie dominante. Alors qu’une jeune génération d’artistes se réapproprie des techniques artisanales (céramique, sculpture sur bois, marqueterie, tapisserie), accordant une attention particulière à la matière, fût-elle industrielle, cette exposition inaugurale dessine des généalogies inédites entre « pratiques » d’aujourd’hui et d’hier, dans l’art et ailleurs. Chez ces créateurs contemporains, il ne s’agit pas de positionnements nostalgiques ou conservateurs, mais de prises de conscience très actuelles d’une urgence à repenser les modes d’usage et de production selon le régime de l’attention et du soin. Ce faisant, cette exposition aborde des préoccupations écologiques de manière transversale, par de nouvelles relations de l’art au vivant, aux objets et aux éléments. À travers des actes considérés comme minoritaires ou marginaux au cœur de nos sociétés dites « avancées », il s’agit d’éclairer d’autres énergies, d’autres souffles qui animent des formes et des idées, venant pervertir les catégories établies de l’art contemporain. Le titre du cycle est une expression empruntée au penseur Bruno Latour (1), mais sa traduction infidèle est tout aussi signifiante. Dans un dépassement de la hiérarchie entre puissance et vulnérabilité, « matière à panser » signifie « matière que l’on doit panser », dont on doit se préoccuper, mais aussi « matières pour panser » : objets rituels, prophylactiques, votifs, guérisseurs, pour l’artiste et pour les autres. Ce faisant, ces pratiques font référence à d’autres champs du savoir, d’autres logiques, que nous avons oubliés ou que nous ne savons plus voir. Ces matières émancipatrices, intelligentes, transformatrices plus que transformées, dessinent, dans leur diversité d’intentions, des affinités sensibles et poétiques qui transcendent les différences.

Une harmonie imprécise

L’idée de ce cycle vient de loin et puise à des sources théoriques et sensibles diverses. D’abord, en continuité avec les deux précédents, il procède encore d’une nouvelle volonté de réconciliation, ou plutôt de dépassement des oppositions de l’art. Ici, il s’agit de revendiquer une continuité de « pratiques » que l’on a souvent si ce n’est opposées, dans tous les cas séparées : art contre artisanat, pratiques culturelles contre pratiques cultuelles, fonction contre décoration, modernité contre tradition. C’est dans une nécessité constante de réagencer les catégories et les hiérarchies que j’envisage mon travail de commissaire d’exposition en général et le programme de La Verrière en particulier. Un curating du « désordre » esthétique qui fabrique volontairement du trouble dans les genres de l’art au fur et à mesure des expositions.
Au-delà de ce parti pris, l’idée de ce cycle vient d’une réflexion démarrée il y a plusieurs années autour de la nécessité d’une « saisie » curatoriale de la question écologique. S’il est une évidence que cette dernière est au centre des préoccupations d’aujourd’hui, son actualisation concrète en termes artistiques l’est moins. D’abord parce qu’il est toujours délicat de faire d’un impératif politique des formes intéressantes. On n’échappera que difficilement à l’insuffisance, voire à la contradiction d’une esthétisation d’enjeux d’actualité. Ensuite, pour une raison brutale et provocatrice, qui vient contester jusqu’aux fondements de l’art : pourquoi et comment produire de nouvelles formes (même critiques), alors que l’urgence écologique prône un ralentissement généralisé de l’activité ? Paradoxe : comment éviter que l’art ne vienne, même avec les meilleures intentions, encombrer inutilement le monde de nouvelles matérialités ?

Matters of Concern / Matières à panser, exhibition view, La Verrière, Brussels, 2019
© Isabelle Arthuis / Fondation d’entreprise Hermès

Notre réponse à cette aporie est d’aborder l’écologie de biais, c’est-à- dire comme un régime de pensées plutôt que comme un sujet. Comme l’occasion d’un regard renouvelé sur des expériences concrètes plus que comme la dénonciation d’un état de fait. Soit, plutôt que d’illustrer la dérive mortifère de notre civilisation progressiste et son inéluctable fin, saisir ce moment pour explorer d’autres modes de faire, d’observer et de penser, ici et ailleurs. En bref, et pour détourner avec malice une citation célèbre, c’est peut-être justement parce que « la maison brûle » qu’il nous faut « regarder ailleurs (2) ». Pas pour contourner ces problèmes essentiels, mais pour apprendre, ou plutôt désapprendre par la marge. De fait, alors que les mauvais présages d’hier sont devenus les faits d’aujourd’hui, les relations de l’homme à la nature sont au cœur des préoccupations intel- lectuelles contemporaines parmi les plus stimulantes, en ce qu’elles remettent en cause les fondements de nos idéologies modernistes. Ce faisant, il ne s’agit pas de « retourner » vers des modèles archaïques soi-disant plus vertueux, mais d’actualiser par l’expérience d’autres types de relations aux choses, en prenant modèle sur des acquis de l’anthropologie, de l’écologie et de l’éthologie, en passant par certaines théories scientifiques et éthiques féministes. En bref, prendre appui sur un renversement des droits et des devoirs dans les sphères du vivant, une contestation de la domination humaine, une reconsidération du non-humain comme sujet et plus comme objet et globalement un système de relations mouvantes plus qu’un rapport de force au sein des écosystèmes. C’est sur un mode de la finitude et de la continuité que reposent ces pensées, qui envisagent toute production comme une coproduction et toute appropriation comme un échange. Il s’agit aussi de privilégier d’autres temporalités d’observations et d’études qui engendrent des savoirs alternatifs. Ainsi, c’est bien à une fusion inattendue de plusieurs enjeux que nous convoque ce moment écologique inédit : politiques, moraux, juridiques, scientifiques et sociaux. Un alignement vertueux des affects comme on parlerait d’un alignement des planètes, qui ne peut qu’imprégner la sphère artistique, même de manière diffuse, tant dans la production que dans la réception des œuvres.

La saison où les rêves explosent

« Matters of Concern », matières à panser : d’autres manières de faire, donc, plutôt qu’un refus de faire. Tenter de réenchanter le monde plutôt que d’assister, sidéré ou fasciné, à sa destruction. Multiplier les points de vue plutôt que de suivre le point de fuite unique (et funeste) de l’Histoire. Et à l’occasion, s’intéresser aux savoirs négligés, aux utopies incarnées, aux matières hantées. Voire simplement observer la création existante à partir de nouveaux paradigmes, en y décelant de nouvelles intentions, de nouvelles attentions, de nouvelles « dispositions » morales et sensuelles, contredisant le cynisme de la surproduction désincarnée et aveugle. Nouvelles ? Ces considérations solidaires de la matière sont évidemment très anciennes. Elles ne sont pas pour autant « premières », mais permanentes ou résilientes, identifiables d’un simple décentrement du regard. Nul besoin d’aller les découvrir à l’autre bout du monde, ni dans les pré- mices de l’histoire des formes ; les pratiques alternatives sont là, tout près, en connexion directe avec le monde contemporain. Car le fait est que, si nous avons cessé de voir, nous n’avons jamais cessé de croire.

Matters of Concern / Matières à panser, exhibition view, La Verrière, Brussels, 2019
© Isabelle Arthuis / Fondation d’entreprise Hermès
Lois Weinberger, Green Man, photographie couleur, 105 x 105 x 5 cm, 2004, courtesy Salle Principale, Paris
Gina Pane, Enfoncement d’un rayon de soleil, 4 photographies couleur, 110 x 163 cm, 1969, © ADAGP Gina Pane, courtesy Anne Marchand and kamel mennour, Paris/London
Maria Laet, Terra (Parque Lage), vidéo couleur, sonore, 11:35’’, 2015, collection de l’artiste

De fait, et c’est une autre raison de ce cycle, ces pratiques sont en lien direct avec certaines tendances de la création la plus contemporaine. Le recours au travail manuel et artisanal, avec un penchant pour les matériaux naturels et les techniques traditionnelles, est un fait notable de l’art, tant dans une veine « néo-craft » qu’au sein même de ce qu’on a appelé l’art « post-Internet ». Des préoccupations nouvelles qui convoquent des savoir-faire auparavant négligés dans le champ de l’art contemporain. Un peu comme si le tournant ethnographique de l’art (3), que l’on a pu observer depuis la fin des années 1990, s’était soudain incarné dans la matière. Passé du discours au geste. Et l’artiste de mettre en œuvre, par son regard et son action silencieuse sur la matière, des considérations critiques sur le progrès. Des réalisations concrètes plus que des énoncés. Cette concentration particulière, qui privilégie l’attention à l’étude et l’intime à la distance, ouvre à une explosion de possibilités relationnelles à l’objet. Elle amène à se remémorer que la matière a sa substance et sa forme, mais aussi son histoire, son intelligence, ses émotions.

Exposer un jardin sauvage

Envisageant librement cette nébuleuse de considérations affectives plus que théoriques, l’exposition inaugurale du cycle déplie un éventail étendu de pratiques. Des bergers arméniens enserrant leurs moutons pour dévaler la montagne filmés avec lyrisme par Artavazd Pelechian à l’artiste Gina Pane enterrant un rayon de soleil dans la campagne normande. Du vitrail mystérieux représentant Mamadou le guérisseur de Roubaix à la danse cathartique et thérapeutique de la chorégraphe américaine Anna Halprin.
Des détournements ornementaux d’objets médicaux par des personnes atteintes du sida jusqu’aux tapisseries cellulaires de Karen Kamenetzky. Des gigantesques poupées féministes de Raymonde Arcier jusqu’au vêtement organique d’Aline Ribière, en passant par les effigies vernaculaires de Harald Thys et Jos de Gruyter. Des sculptures minérales de Lois Weinberger aux interactions hiératiques de Maria Laet avec la nature. Des étranges formes artisano-industrielles de Camille Blatrix jusqu’aux sculptures hybrides de Jean-Luc Moulène, en passant par les tissages identitaires de Igshaan Adams. Autant de pratiques disparates qui, chacune à sa manière, accorde une attention et un pouvoir particuliers à l’objet et à la matière, en termes sensuel, affectif, symbolique ou thérapeutique. Des univers contrastés qui n’empêchent pas quelques constantes, comme le travail de la main (y compris la main invisible de la nature) ou la figuration. Sautant sans hiérarchie de l’artisanat à l’art en passant par des pratiques amatrices et militantes, l’exposition suit aussi des lignes esthétiques qui longent de nouvelles rives pour le curateur d’art contemporain qui fut et reste marqué par la rigueur et le minimalisme affirmés des formes de l’art conceptuel. Allant puiser dans des esthétiques disparates, cette exposition se veut comme un écosystème, ou plus modestement un jardin, mais au sens de Gilles Clément, c’est-à-dire incluant ce que certains appellent les mauvaises herbes, les objets méprisés et les plantes qui n’ont pas de nom.

Matters of Concern / Matières à panser, exhibition view, La Verrière, Brussels, 2019
© Isabelle Arthuis / Fondation d’entreprise Hermès
Lois Weinberger, Invasion, sculpture en aluminium, 190 cm, 2013, courtesy Salle Principale, Paris
Karen Kamenetzky, Roots of Rhythm X, soie, laine, fibres et fils, feutrage humide, 63,5 x 80 cm, 2015
Igshaan Adams, Ouma, corde de nylon tressée, ficelle, perles, tissu et cintres, environ 250 x 110 x 35 cm, 2016, courtesy de l’artiste et blank projects

Après un cycle sur la distance irréductible d’un certain art programmatique, cette nouvelle saison de La Verrière privilégie donc les matières conductrices, les objets transactionnels et les formes utiles. Des œuvres qui affirment des valeurs artistiques en accord avec des valeurs d’usage, troublant les frontières entre fonction et fiction. Un cycle qui, finalement, tenterait de mettre en œuvre un « curating écologique » en revendiquant une attention aux choses et à leur relation, quelle que que soit leur sphère d’intention. Une pratique spéculative et rêveuse, qui irait chercher des beautés nouvelles non pas dans la célébration d’une altérité aux réflexes de l’art contemporain, mais simplement en ignorant, même momentanément, les coordonnées des objets à l’intérieur d’un système de valeurs.

1 « Why has critique run out of steam ? From matters of fact to matters of concern », Bruno Latour, Critical Inquiry n°30, The University of Chicago, 2004
2 « Notre maison brûle et nous regardons ailleurs », Jacques Chirac, président de la République française (IVe Sommet de la Terre, Afrique du Sud, 2002)
3 « The Artist as Ethnographer », Hal Foster in The Return of the Real. Cambridge : The MIT Press, 1996.

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